Como nasce um show?

Quando o público chega a um estádio ou arena para assistir a um grande show, a primeira imagem que vem à cabeça costuma ser a do palco iluminado, dos telões, dos efeitos especiais e dos artistas entrando para se apresentar. Mas o que a gente vê em algumas horas de show é resultado de um processo que começou muito antes. Uma grande apresentação envolve planejamento, criação artística, produção, tecnologia, logística, ensaios e a participação de centenas de profissionais. Antes de o palco começar a ser montado, o show já existe como uma ideia que precisa se transformar em uma experiência concreta.

Uma turnê pode ser entendida como uma sequência de apresentações feitas por um artista ou grupo em diferentes cidades e países, seguindo uma proposta artística em comum. Mas isso não significa que o espetáculo seja simplesmente repetido, igualzinho, em todos os lugares. Cada cidade e cada espaço têm suas próprias características, o que exige adaptações na estrutura do palco, na iluminação, no som, nos telões, nos efeitos especiais, nos equipamentos e até na organização do público. Por isso, uma turnê precisa ser planejada para que sua identidade se mantenha, mesmo quando o espetáculo é apresentado em ambientes diferentes.

O planejamento de uma grande turnê pode começar meses antes da estreia e, dependendo do tamanho do projeto, pode envolver mais de um ano de preparação. Segundo Kim Sang-wook, diretor que trabalhou com o BTS entre 2013 e 2019, a preparação de um concerto pode levar de dois meses a um ano. Nesse processo, são discutidos aspectos como o conceito do espetáculo, o tamanho e as características do local, o desenho do palco e o repertório. Isso mostra que a criação de um show acontece de forma gradual e envolve decisões artísticas e técnicas desde o começo.

Uma das primeiras etapas é definir o conceito da turnê. Esse conceito funciona como uma espécie de bússola para todas as outras áreas do espetáculo. A música, o repertório, os vídeos, a iluminação, os figurinos, a cenografia, os efeitos especiais e até a forma como os artistas se movimentam no palco precisam conversar entre si. É assim que o show deixa de ser apenas uma sequência de músicas e passa a funcionar como uma experiência audiovisual e narrativa.

Nesse processo, diferentes profissionais assumem funções específicas. O produtor executivo cuida principalmente da organização e da viabilidade do projeto, de olho em questões como orçamento, contratação de profissionais e empresas, cronograma, fornecedores, transporte e funcionamento das equipes. Já o diretor criativo trabalha direto com a identidade artística do espetáculo, ajudando a transformar uma ideia ou conceito em uma experiência visual. Ele participa das decisões relacionadas ao palco, aos vídeos, à iluminação, ao figurino, à cenografia, aos efeitos e a outros elementos que compõem a apresentação.

Existe também uma quantidade enorme de profissionais responsáveis pelas áreas técnicas e artísticas. Designers de palco, iluminação e vídeo, coreógrafos, figurinistas, músicos, dançarinos, operadores de câmera, técnicos de som, especialistas em efeitos especiais, profissionais de automação e equipes de produção trabalham de forma integrada. Em uma grande turnê, cada elemento precisa funcionar em conjunto, porque uma mudança em uma área pode interferir em várias outras.

O repertório também é uma peça fundamental na construção do espetáculo. As músicas não entram em uma ordem qualquer. É preciso pensar no ritmo da apresentação, nos momentos de mais energia, nas partes emocionais, nas trocas de figurino, nas performances individuais e nas transições entre uma música e outra. A escolha das músicas também precisa levar em conta o esforço físico dos artistas. Kim Sang-wook já explicou que não seria adequado colocar muitas performances extremamente intensas em sequência, porque os artistas precisam conseguir manter a qualidade da apresentação do início ao fim do show.

No caso do BTS, essa relação entre música, conceito e espetáculo pode ser vista em diferentes momentos da carreira. As primeiras turnês do grupo tinham estruturas mais simples e uma relação mais próxima com o público. Com o crescimento da carreira, os shows foram ganhando estruturas cada vez mais elaboradas e passaram a incorporar elementos tecnológicos, cenográficos e narrativos mais complexos.

Essa evolução pode ser percebida, por exemplo, entre a The Red Bullet, a WINGS Tour, a Love Yourself, a Love Yourself: Speak Yourself, a Map of the Soul, a Permission to Dance on Stage e, mais recentemente, a BTS WORLD TOUR 'ARIRANG', de 2026. Cada uma dessas fases tem características próprias e mostra como o espetáculo acompanha as mudanças musicais e artísticas do grupo.

Na The Red Bullet, o BTS ainda se apresentava em espaços menores, com mais proximidade entre artistas e público. O foco estava principalmente nas performances, coreografias e músicas. Conforme o grupo cresceu internacionalmente, a estrutura dos shows também cresceu.

Na WINGS Tour, as performances individuais passaram a ocupar um espaço importante dentro do espetáculo. Cada integrante podia mostrar diferentes aspectos da própria identidade artística, fazendo com que o show não dependesse só das apresentações do grupo completo. Essa característica ajudou a ampliar a narrativa e a diversidade do espetáculo. 

Com a era Love Yourself, a produção passou a apresentar uma construção visual ainda mais elaborada. VCRs, cenografia, iluminação, plataformas, efeitos e performances solo começaram a trabalhar de forma mais integrada. O conceito do álbum não estava só nas músicas, mas também naquilo que o público via e vivia durante o concerto.

Essa evolução ficou ainda mais evidente na Love Yourself: Speak Yourself, quando o BTS passou a se apresentar em grandes estádios. A escala do espetáculo exigiu uma estrutura muito maior e o uso de diferentes tecnologias. A produção passou a incorporar elementos de vídeo, iluminação, realidade aumentada, automação e efeitos especiais. O palco precisou ser pensado tanto para receber grandes quantidades de público quanto para funcionar em diferentes estádios ao redor do mundo.

Na Map of the Soul, a construção do espetáculo continuou explorando conceitos ligados à identidade, à personalidade e aos diferentes lados de cada integrante. A produção também mostrou como um show podia se adaptar a diferentes formatos, principalmente diante das mudanças provocadas pela pandemia. 

Map of the soul tour:

Já na Permission to Dance on Stage, a experiência passou a enfatizar ainda mais a celebração e a conexão entre BTS e ARMY, com escolhas de repertório e performances pensadas para criar aquela sensação de reencontro. 

Permission to dance:

Em 2026, essa evolução ganha um novo capítulo com a BTS WORLD TOUR 'ARIRANG'. A turnê marca o retorno dos sete integrantes aos grandes palcos para uma nova turnê mundial e traz uma proposta que não busca simplesmente repetir os formatos usados antes.

A equipe criativa passou a trabalhar com a ideia de um novo momento do grupo, apresentado como uma espécie de "BTS 2.0". A intenção era pensar como o BTS poderia se apresentar depois de mais de uma década de carreira e de um período sem uma grande turnê mundial com os sete integrantes reunidos. 

Nesse sentido, a ARIRANG TOUR mostra de forma bem clara como uma turnê pode nascer de uma pergunta sobre o momento artístico vivido pelo próprio grupo. O objetivo não era só criar um palco maior ou acrescentar mais tecnologia, mas encontrar uma nova linguagem para representar o BTS naquele momento. O conceito do álbum e da turnê passou a guiar as decisões relacionadas ao repertório, à narrativa, ao palco, à coreografia, aos figurinos e aos elementos visuais.

O próprio nome ARIRANG já estabelece uma conexão direta com a cultura coreana. A tradicional canção "Arirang" é usada como ponto de partida para construir uma narrativa ligada à identidade, às dificuldades, à alegria e ao amor. A direção criativa organizou o espetáculo em três grandes momentos: BTS, KOREA e ARIRANG, criando uma progressão temática que acompanha diferentes sentimentos e aspectos da trajetória do grupo.

Um dos conceitos usados pela equipe é a relação entre han e heung. O han está associado à tristeza, às dificuldades e aos sentimentos acumulados ao longo das experiências vividas, enquanto o heung está ligado à energia, à alegria e à capacidade de celebrar. A narrativa da turnê transforma esses sentimentos em diferentes momentos do espetáculo, até chegar à ideia de amor e conexão entre BTS e ARMY.

Essa construção mostra que o repertório de uma turnê pode funcionar como uma narrativa. As músicas são organizadas não só para trazer sucessos, mas para conduzir o público por diferentes estados emocionais. Assim, o conceito não fica restrito ao material promocional do álbum: ele passa a guiar a própria estrutura do show.

O palco da ARIRANG também foi pensado a partir desse conceito. A equipe criativa usou referências da arquitetura e da cultura coreana, mas não como simples decoração. O desenho do palco recebeu inspiração no Gyeonghoeru, estrutura histórica localizada no Palácio de Gyeongbokgung. Outros elementos vieram do taegeuk, presente na bandeira da Coreia do Sul, e de símbolos tradicionais associados à identidade nacional.

Palácio:

Essa escolha é importante porque mostra uma evolução na forma de usar referências culturais em um espetáculo. Em vez de simplesmente colocar elementos tradicionais no cenário, a equipe procurou transformar essas referências em parte da própria arquitetura do show. A cultura passa a influenciar o desenho do palco, os movimentos, os figurinos, os vídeos e a narrativa.

Outro elemento marcante é a escolha de um palco de 360 graus. Diferente de uma estrutura tradicional, em que a apresentação é direcionada principalmente para uma frente, esse formato coloca o público ao redor dos artistas. Isso muda a forma como as performances precisam ser pensadas, já que os integrantes precisam considerar diferentes direções durante a apresentação. A configuração também interfere na coreografia, na iluminação, na posição das câmeras e na experiência visual de quem está assistindo.

A música "Body to Body" é um bom exemplo de como diferentes áreas da criação podem se encontrar. A performance traz referências da música "Hand in Hand", tema dos

Jogos Olímpicos de Seul de 1988, e também do ganggangsullae, uma dança tradicional coreana feita em círculo. Na transição de "Body to Body" para "IDOL", dezenas de dançarinos se movimentam pelo estádio junto com os integrantes, criando uma imagem de união e coletividade.

Nesse caso, música, coreografia, cultura, espaço e movimento passam a funcionar como uma única linguagem. O que poderia ser apenas uma referência cultural se transforma em uma escolha de direção artística que influencia a experiência do público.

A mesma lógica aparece nos figurinos. Para o projeto ARIRANG, a equipe de figurino trabalhou com referências da cultura coreana e desenvolveu uma proposta chamada "Lyrical Armor", que combina elementos inspirados em armaduras do período Joseon com características mais fluidas ligadas ao hanbok. Cada integrante recebeu uma identidade visual própria, e os próprios membros participaram do processo dando opiniões sobre aspectos como cores, acessórios e silhuetas.

Lyrical armor:

Armaduras joseon:

Hanbok:

Os figurinos também precisam considerar a movimentação dos artistas. As peças foram desenvolvidas de um jeito que referências visuais mais estruturadas não impedissem os movimentos necessários para a performance. Isso mostra que, em uma grande turnê, o figurino não é apenas uma questão estética: ele precisa funcionar junto com a coreografia, a iluminação, o conceito e o corpo do artista.

A ARIRANG TOUR também mostra como o show pode ultrapassar os limites do próprio palco. O projeto BTS THE CITY ARIRANG levou a experiência da turnê para diferentes cidades, criando ações e experiências ligadas ao grupo e ao álbum. Dessa forma, a turnê passou a ocupar também espaços urbanos, aproximando o espetáculo de outras experiências culturais e comerciais.

Essa ideia representa uma mudança importante na forma de pensar uma grande turnê. O show contemporâneo pode começar antes da entrada do público no estádio e continuar depois que as luzes do palco se apagam. A experiência pode envolver a cidade, instalações, publicidade, tecnologia, produtos, conteúdo digital e diferentes formas de interação com os fãs.

Além disso, o BTS THE COMEBACK LIVE: ARIRANG, realizado em março de 2026 na Gwanghwamun Square, em Seul, já trazia essa proposta. O palco foi planejado de um jeito que o histórico Gwanghwamun Gate pudesse fazer parte da composição visual do espetáculo. O monumento não funcionava apenas como pano de fundo, mas como um elemento integrado à apresentação.

A transmissão mundial do evento também trouxe outra camada para a produção. O espetáculo precisava funcionar para o público presente em Seul e, ao mesmo tempo, para quem acompanhava a apresentação pelas telas. Isso significa que iluminação, câmeras, enquadramentos, telões e direção precisavam ser pensados para duas experiências diferentes: a presencial e a audiovisual.

A tour, portanto, deixa claro como uma grande turnê pode unir passado, presente e futuro. Ela usa referências históricas e culturais da Coreia, mas as transforma por meio de tecnologia, design, iluminação, vídeo e performance. Ao mesmo tempo, apresenta um BTS que já tem mais de uma década de trajetória, mas que busca construir uma nova identidade para o seu retorno aos palcos.

A adaptação entre diferentes espaços continua sendo uma das grandes dificuldades de uma turnê internacional. Um estádio tem uma capacidade muito maior e dimensões diferentes de uma arena. Nele, os artistas podem ficar bem distantes de parte do público, o que torna os telões e outros recursos visuais ainda mais importantes. Já em uma arena, o público normalmente está mais próximo do palco e a configuração do espaço pode ser diferente. Por isso, o mesmo espetáculo precisa ser adaptado sem perder sua identidade.

Além das questões artísticas, a logística tem grande peso no resultado final. Uma ideia pode ser interessante do ponto de vista artístico, mas precisa ser possível de transportar, montar e usar com segurança. Uma estrutura muito grande, por exemplo, precisa ser levada de uma cidade para outra, montada dentro de um período determinado e adaptada às características de cada local. O peso dos equipamentos, o espaço disponível, o tempo de montagem, os custos e as regras de segurança são fatores que podem definir se uma ideia vai ser colocada em prática ou vai precisar ser modificada.

O orçamento também está diretamente ligado à criatividade. Grandes produções envolvem equipamentos, profissionais, transporte, estruturas e tecnologias que têm custos elevados. Por isso, a equipe precisa encontrar um equilíbrio entre aquilo que quer criar e aquilo que é possível realizar dentro dos recursos disponíveis. A criatividade, nesse sentido, não está separada da produção: ela precisa dialogar o tempo todo com as limitações técnicas e financeiras.

Um exemplo dessa relação pode ser visto em Love Yourself: Speak Yourself, cuja produção usou grandes estruturas cenográficas, iluminação, vídeo, efeitos especiais e realidade aumentada, como já foi dito antes. A tecnologia estava integrada à experiência do espetáculo e precisava ser adaptada aos diferentes locais da turnê.

Outro exemplo é a turnê solo D-DAY, de SUGA. O designer de palco Ha Jung Jae explicou que o projeto buscava romper com a estrutura tradicional dos shows do BTS, que normalmente precisa acomodar sete integrantes, dançarinos e diversos elementos.

No caso de D-DAY, o palco foi pensado para ser desmontado pouco a pouco ao longo da apresentação, até chegar a uma estrutura muito mais simples e concentrada no próprio artista. Nesse caso, o palco não funcionava só como suporte para o show: ele também fazia parte da narrativa e da experiência criada para o público.

 A trajetória do BTS mostra, portanto, que a evolução de um show não acontece só porque o artista se tornou mais famoso. O crescimento da carreira permite trabalhar com espaços maiores, equipes mais numerosas, tecnologias mais avançadas e estruturas mais complexas, mas também exige novas formas de pensar a relação entre artista, música, público e espaço.

Da mesma forma, a ARIRANG mostra que evolução não significa necessariamente deixar o palco cada vez maior. A inovação também pode estar na forma como um conceito é construído, na maneira como uma cultura é incorporada ao espetáculo, na relação com o público ou na transformação do espaço. A turnê de 2026 mostra um BTS usando toda a experiência acumulada ao longo da carreira para construir uma nova linguagem de palco.

Assim, podemos imaginar o nascimento de uma grande turnê como um processo que começa com uma ideia e passa por várias etapas:

MÚSICA → CONCEITO → HISTÓRIA → REPERTÓRIO → DIREÇÃO CRIATIVA → CENOGRAFIA → FIGURINO → COREOGRAFIA → TECNOLOGIA → LOGÍSTICA → ENSAIOS → SHOW

No caso do BTS, observar diferentes turnês permite perceber que os shows também contam a história da evolução artística do grupo. A mudança de espaços menores para arenas e depois para grandes estádios veio acompanhada de mudanças na cenografia, na tecnologia, nas performances e na forma de se relacionar com o público. A ARIRANG acrescenta uma nova camada a essa trajetória ao transformar o retorno dos sete integrantes em um conceito de espetáculo, usando a identidade coreana, a história do grupo e a relação com a ARMY como elementos centrais da criação.

Assim, uma turnê não nasce quando o palco começa a ser montado. Ela nasce muito antes, quando alguém começa a responder perguntas como: o que queremos contar? O que queremos que o público sinta? Como queremos que o artista seja visto? Que músicas contam essa história? Que espaço pode representá-la? E como transformar tudo isso em uma experiência que milhares de pessoas possam viver juntas?

Quando o público vê o palco acender, o show já existe há muito tempo. Antes daquele momento, houve reuniões, escolhas, testes, desenhos, ensaios, cálculos, viagens, montagem e o trabalho de inúmeras pessoas. O que acontece no palco durante algumas horas é só a parte visível de uma produção muito maior. Por trás de cada entrada, cada troca de figurino, cada luz, cada vídeo, cada efeito e cada música existe um planejamento que transforma uma ideia em uma experiência capaz de ser compartilhada por milhares de pessoas.